Echtheit erkennen wird immer schwieriger
Der renommierte Musikproduzent, Pädagoge und bekannte Internet-Persönlichkeit Rick Beato beobachtet einen grundlegenden Wandel darin, wie das Publikum heute Authentizität in Kunst und digitalem Content wahrnimmt. In einem seiner jüngsten Livestreams beschrieb er das wachsende Misstrauen der Zuschauer gegenüber Inhalten, die zu poliert, vorgefertigt oder maschinell generiert wirken.
Die schier unüberschaubare Flut makellos glattgebügelter Online-Inhalte weckt in ihm selbst gesunde Skepsis. Stößt er auf ein kurzes Video mit ungewöhnlich präzise formulierten Aussagen, stellt er sich sofort die Frage: Spricht dieser Mensch wirklich aus eigener Erfahrung, liest er fremden Text ab, oder hat ein Algorithmus den gesamten Gedanken für ihn erzeugt?
Besonders jüngere Zuhörer aus der Generation Z und Generation Alpha zeigen kaum Interesse an synthetisch erzeugter Musik. Quer durch die gesamte Gesellschaft verbreitet sich ein tiefes Misstrauen gegenüber Online-Videos, Texten und Musikstücken — denn es ist zunehmend unklar, welchen Anteil der Mensch, der hinter einem Werk steht, tatsächlich selbst geleistet hat.
Der erfahrene Produzent hat die Möglichkeiten der Musikgenerierung am eigenen Leib ausprobiert. Er erfand fiktive Künstler, entwickelte detaillierte Biografien für sie und gab Textideen in entsprechende Software ein. Das Ergebnis veränderte seine Sichtweise jedoch in keiner Weise. Alle Experimente, die er mit modernen Werkzeugen durchführte, bezeichnete er als erschreckend mittelmäßig und seelenlos.
Dabei ging es nicht allein um die Qualität des Outputs. Das eigentliche Problem sieht er darin, wie diese Systeme aus bereits existierenden Stücken lernen. Sie saugen erkennbare Elemente bekannter Melodien, Produktionsmethoden, Vokalstile und Arrangements auf — und recyceln daraus auf Basis eines Textbefehls etwas vermeintlich Neues.
Livemusik als Antwort auf digitale Gleichförmigkeit
Genau diese digitale Uniformität hat in ihm eine weit tiefere Leidenschaft für Live-Auftritte geweckt. Wir leben in einer Zeit, in der sich nahezu alles, was wir auf einem Bildschirm sehen, anzweifeln lässt. Wenn eine Band gemeinsam in einem Raum spielt, müssen die Musiker in Echtzeit reagieren. Sie machen Fehler, hören einander zu, passen sich gegenseitig an und treffen spontane Entscheidungen direkt vor den Augen der Zuschauer.
Rund um diesen Gedanken baut er nun eine brandneue Videoserie auf. Bands werden in sein Studio kommen und live vor Kameras spielen, wobei weniger bekannte Künstler, die ihr Publikum erst noch finden müssen, den Hauptraum bekommen. Er empfindet eine persönliche Verantwortung, seine Reichweite in den sozialen Netzwerken zu nutzen, um talentierte Musiker zu fördern, die andernfalls kaum Aufmerksamkeit erlangen würden. Auch wenn bekannte Namen in dem Projekt auftauchen werden, liegt der Schwerpunkt klar auf aufstrebenden Acts.
Sein zentraler Rat an alle Kreativen ist unmissverständlich: Überlasst das Denken und das Schreiben von Skripten nicht den Algorithmen — setzt stattdessen auf Improvisation.
Musiker kommen ohne ernsthaftes Training nicht aus
In seinen Überlegungen kehrte er zu Themen zurück, die ihn schon am Anfang seiner Internet-Karriere beschäftigt hatten. Dazu zählten Gehörtraining, Akkordanalysen, das Studium von Intervallen, Musiktheorie und praktische Details des Instrumentalspiels. Anfangs dachte er, das sei zu spezialisierter Inhalt — doch das Gegenteil erwies sich als wahr.
Lektionen zum Gehörtraining oder sogar zur richtigen Stimmung von Schlagzeug sammelten letztlich Hunderttausende von Aufrufen. Der Grund ist einfach: Jeder Musiker muss in erster Linie präzise hören, was in einem Stück passiert.
Als anschauliches Beispiel dienten Studiomusiker. Ein Profi kann einen Aufnahmeraum betreten, einen Song einmal anhören, dessen Struktur und harmonische Wechsel sofort notieren und auf der Stelle einen Part erfinden, der nahtlos ins Gesamtbild passt.
Dafür reicht es jedoch nicht, blind Anweisungen zu befolgen. Ein Musiker muss wahrnehmen, wo der Sänger Raum lässt, die Töne des jeweiligen Akkords kennen und instinktiv spüren, wann er voll einsteigen und wann er sich zurückziehen soll. Das menschliche Gehirn verlangt schlicht nach kontinuierlichem, gezieltem Training.
Fähigkeiten verkümmern, wenn man sie nicht nutzt
Um zu verdeutlichen, was passiert, wenn der Körper gewohnte Tätigkeiten einstellt, teilte er eine unerwartete gesundheitliche Erfahrung. Nach einer Herzoperation bekam er acht Wochen lang strenges Verbot, Gewichte über fünf Kilogramm über den Kopf zu heben. Als diese Einschränkung endete, stellte er fest, dass er den rechten Arm kaum noch hochheben konnte. Die Ärzte diagnostizierten bei ihm schließlich ein Schultersteife-Syndrom sowie einen Riss in der Rotatorenmanschette.
Im kleineren Maßstab erleben Musiker genau dasselbe. Hört ein Gitarrist auf zu üben, verliert er die Schwielen an den Fingern. Die spieltechnischen Fähigkeiten beginnen sehr schnell zu rosten. Bewegungsabläufe, die früher völlig automatisch und mühelos abliefen, erfordern plötzlich enorme Konzentration und Anstrengung.
Es gibt eine berechtigte Sorge, dass dieselbe Art von Atrophie auch auf der kreativen Ebene eintreten kann. Wenn sich Künstler bei der Ideenfindung zu stark auf moderne Technologie verlassen, riskieren sie, ihre kreative Flamme zu verlieren.
Das bedeutet jedoch keine pauschale Ablehnung aller Innovationen. Der angesehene Pädagoge nannte einen erfolgreichen Songwriter, der seine Songs zunächst vollständig auf der Akustikgitarre komponiert und erst danach fortschrittliche Software einsetzt, um ein ausgefeilteres Demo zu erstellen.
Diese Herangehensweise ergibt absolut Sinn. Der Autor hat die Musik bereits selbst erschaffen und nutzt die Technologie ausschließlich als praktisches Hilfsmittel für das Arrangement — nicht als Ersatz für die eigene künstlerische Erfindungsgabe. Genau darin liegt der entscheidendste und bedeutsamste Unterschied für die Zukunft der Musik.
